Fundamentosdelarte MGB
martes, 27 de diciembre de 2016
martes, 20 de diciembre de 2016
Escuela de Londres.
2.1 Comenta las claves del expresionismo figurativo, desde el expresionismo alemán hasta la obra de Francis Bacon y Lucian Freud.
Los expresionismos.
Francis Bacon (Dublín, 1909- Madrid, 1992) es un claro ejemplo de pintor de la segunda mitad del siglo XX atípico y autodidacta, pero con un lenguaje inimitable. Nos guste o no su "idioma artístico", su estilo, Bacon nos conmueve, es decir, inquieta nuestro espíritu, no nos deja indiferente, o se ama o se rechaza. Margaret Thatcher calificó sus obras como horribles. Pese a eso, tras su muerte, su obra es altamente valorada en el mercado del arte. Su tríptico de 1969 dedicado a Lucian Freud alcanzó el precio de 142 millones de dólares.
Además de los utensilios para pintar se hacía rodear de libros y de multitud de recortes de periódicos y fotografías, que almacenaba caóticamente y sin cuidado de que fueran manchadas por la pintura o desgarradas. Trabajaba sólo por la mañana, con la luz. "Por la tarde, voy a los bares o a las salas de juego. A veces, veo amigos. Para trabajar tengo que estar completamente solo. Nadie en la casa. Mi instinto no puede trabajar si los demás están ahí, y cuando uno los ama es peor. Sólo puedo trabajar con la libertad."
Análisis.
Obras.
- Retrata rostros, cuerpos y figuras desmembradas.
...Rostros y cuerpos transformados por tensiones insuperables se agitan en una habitación vacía donde cuelga una bombilla, o, agazapados, indolentes, permanecen tumbados cual carne amorfa. La anatomía, voluble y elástica, toma actitudes confusas y de un torso desnudo brota la sangre. Miembros descuartizados, carnes corrompidas, bocas dislocadas y cuerpos convulsos; seres deformes y atormentados que reflejan su pesimista visión de lo que intuye como implacable futuro que espera al hombre.
- La forma en que Bacon retrató al cuerpo humano se origina en el trauma que le ocasiono la Segunda Guerra Mundial por un lado y por la no aceptación de su orientación sexual por parte de su familia. Fue expulsado de casa a los 16 años por manifestar su homosexualidad.
- Tenía una fuerte tendencia a la autodestrucción ( sus primeras obras fueron destruidas por el mismo, sus resultados les parecían mediocres). De 1929 a 1944 no han quedado más que 7 cuadros. Su formación es prácticamente autodidacta. Fue al conocer la obra de Picasso cuando decidió centrarse en la producción pictórica. Antes de dedicarse a la pintura trabajo como procurador, administrativo y decorador.
-. El surrealismo le atrapó también por medio de la famosa película de Sergei Eisenstein, El acorazado Potemkin (1925). De esta película, quedó permanente en la retina del artista la imagen de la enfermera gritando con el rostro salpicado de sangre, un grito de angustia casi irrepetible que se esforzó en conseguir en muchos de sus cuadros.
- En 1944 pinta Tres estudios de figuras junto a una crucifixión. Es el primer cuadro que acepta como suyo. Nace con esta obra su predilección por el tríptico.
- A menudo, Bacon creó segundas versiones de sus grandes pinturas.
- En 1949 comienza su serie de versiones sobre el Retrato de Inocencio X de Veláquez. Se manifiestan en estas obras el gusto por pintar rostros de manera borrosa.
- Durante los años 50 y 60 sus obras son adquiridas por importantes museos.
- En 1964, sorprende intentando robar en su taller a George Dyer, luego se transformaría en su amante, fue una relación tormentosa, pero muy productiva a nivel artístico. Conservamos de esta época varios retratos de Dyer.
- Utiliza la fotografía como medio. Coge de los periódicos fotografías de catástrofes y para modelos de sus retratos le es suficiente con instantáneas de un fotomatón. Las secuencias fotográficas de Edward Muybridge también le influyen en su deseo de captar movimiento. Los clichés que utiliza se desparraman desordenadamente por el suelo del estudio, se manchan con pinturas, y él interpreta estos casuales restos patéticos y los plasma tal cual en sus cuadros. El parecido con objetos o personas no le preocupa.
Comentario.
Biografía.
Evolución artística.
Estudio.
Obras.
La gran mayoría son retratos. Para Lucian Freud el hecho de que un modelo pose para un pintor crea una relación de intimidad conspiratoria. Retrato a familiares como su madre, sus hijas, sus parejas ...
Para el autor las personas que aceptan ser retratadas desnudadas renuncian a la protección, confiando en el pintor que las retrata.
- Retrato de Kitty Garman, hija del escultor Jacob Epstein y su primera mujer. Fue retratada polo pintor en varias ocasións. Su retrato de 1948, "Chica con rosas" fue su primera obra maestra.
- Interior en Paddington (1951), es un retrato de Harry Diamond. Retrata a un hombre que nos observa desafiante, como si estuviera enfadado con el mundo y sus banalidades.
- Gran interior W.9 (1972). Retrata a su madre, ya mayor, sumida en una profunda depresión que la redujo a una pasividad casí completa. Posaba casí sin darse cuenta. En un segundo plano aparece su pareja. Las dos mujeres nunca posaron juntas para la obra. La obra nos deja una sensación de soledad y alienación.
- Entre los modelos que posaron de manera asidua para Freud destacamos a Leigh Bowey o Sue Tilley. El primero se dedicaba al mundo del espectáculo (era actor). Freud lo conoció en una cola y le llamó mucho la atención. Posó casi a diario durante varios años. Ejemplo de esta etapa es su retrato de 1990, aparece retratado despojado de sus trajes de "diva" y con una expresión perversa. Bowey muere a principios de 1994 a causa del sida. Su lugar pasa ser ocupado por Sue Tilley, el pintor se ve atraído por las dimensiones de su cuerpo.
- Destacan sus retaratos de Isabel II y de la modelo Kate Moss.
-*
Los expresionismos.
Francis Bacon.
Biografía.
Francis Bacon (Dublín, 1909- Madrid, 1992) es un claro ejemplo de pintor de la segunda mitad del siglo XX atípico y autodidacta, pero con un lenguaje inimitable. Nos guste o no su "idioma artístico", su estilo, Bacon nos conmueve, es decir, inquieta nuestro espíritu, no nos deja indiferente, o se ama o se rechaza. Margaret Thatcher calificó sus obras como horribles. Pese a eso, tras su muerte, su obra es altamente valorada en el mercado del arte. Su tríptico de 1969 dedicado a Lucian Freud alcanzó el precio de 142 millones de dólares.
Además de los utensilios para pintar se hacía rodear de libros y de multitud de recortes de periódicos y fotografías, que almacenaba caóticamente y sin cuidado de que fueran manchadas por la pintura o desgarradas. Trabajaba sólo por la mañana, con la luz. "Por la tarde, voy a los bares o a las salas de juego. A veces, veo amigos. Para trabajar tengo que estar completamente solo. Nadie en la casa. Mi instinto no puede trabajar si los demás están ahí, y cuando uno los ama es peor. Sólo puedo trabajar con la libertad."
Análisis.
Obras.
- Retrata rostros, cuerpos y figuras desmembradas.
...Rostros y cuerpos transformados por tensiones insuperables se agitan en una habitación vacía donde cuelga una bombilla, o, agazapados, indolentes, permanecen tumbados cual carne amorfa. La anatomía, voluble y elástica, toma actitudes confusas y de un torso desnudo brota la sangre. Miembros descuartizados, carnes corrompidas, bocas dislocadas y cuerpos convulsos; seres deformes y atormentados que reflejan su pesimista visión de lo que intuye como implacable futuro que espera al hombre.
- La forma en que Bacon retrató al cuerpo humano se origina en el trauma que le ocasiono la Segunda Guerra Mundial por un lado y por la no aceptación de su orientación sexual por parte de su familia. Fue expulsado de casa a los 16 años por manifestar su homosexualidad.
- Tenía una fuerte tendencia a la autodestrucción ( sus primeras obras fueron destruidas por el mismo, sus resultados les parecían mediocres). De 1929 a 1944 no han quedado más que 7 cuadros. Su formación es prácticamente autodidacta. Fue al conocer la obra de Picasso cuando decidió centrarse en la producción pictórica. Antes de dedicarse a la pintura trabajo como procurador, administrativo y decorador.
-. El surrealismo le atrapó también por medio de la famosa película de Sergei Eisenstein, El acorazado Potemkin (1925). De esta película, quedó permanente en la retina del artista la imagen de la enfermera gritando con el rostro salpicado de sangre, un grito de angustia casi irrepetible que se esforzó en conseguir en muchos de sus cuadros.
- En 1944 pinta Tres estudios de figuras junto a una crucifixión. Es el primer cuadro que acepta como suyo. Nace con esta obra su predilección por el tríptico.
- A menudo, Bacon creó segundas versiones de sus grandes pinturas.
- En 1949 comienza su serie de versiones sobre el Retrato de Inocencio X de Veláquez. Se manifiestan en estas obras el gusto por pintar rostros de manera borrosa.
- Durante los años 50 y 60 sus obras son adquiridas por importantes museos.
- En 1964, sorprende intentando robar en su taller a George Dyer, luego se transformaría en su amante, fue una relación tormentosa, pero muy productiva a nivel artístico. Conservamos de esta época varios retratos de Dyer.
- Utiliza la fotografía como medio. Coge de los periódicos fotografías de catástrofes y para modelos de sus retratos le es suficiente con instantáneas de un fotomatón. Las secuencias fotográficas de Edward Muybridge también le influyen en su deseo de captar movimiento. Los clichés que utiliza se desparraman desordenadamente por el suelo del estudio, se manchan con pinturas, y él interpreta estos casuales restos patéticos y los plasma tal cual en sus cuadros. El parecido con objetos o personas no le preocupa.
Comentario.
Lucian Freud.
Lucian freud; tras los pliegues de la carne, una aproximación al retrato psicológico adolfo vasquez rocca de Adolfo Vasquez Rocca
Biografía.
- Pintor
inglés de origen alemán.
- Nació
el 8 de diciembre de 1922 en Berlín. Muere en 2011 en su casa londinense.
- Nieto
de Sigmund
Freud.
- Cuando
contaba 11 años emigró a Inglaterra junto
a su familia huyendo de la inmediata barbarie nacional
socialista.
En 1939 adquiere la nacionalidad
británica.
- De
1938 a 1943 cursó estudios
de arte en
Londres y en Dedham.
- De
1949 a 1954 es profesor visitante
en la Slade School of Fine Art en Londres.
- Su
primera exposición colectiva se produjo en 1944, pero la maduración
de su estilo y el comienzo de su proyección pública no se produjo
hasta una década después, a partir de 1951.
- En
los años 50 del siglo XX cambió su forma de trabajar -sustituyó
sus finos pinceles por otros más gruesos y empezó a pintar de pie
frente al caballete, en lugar de hacerlo sentado-, y en 1966 hizo su
primer desnudo, Mujer
desnuda,
una disección casi forense del cuerpo humano.
- L.
Freud describe e inmortaliza en sus dibujos la degradación del
cuerpo y su decadencia.
- Considerado
como uno de los artistas más representativos de su generación y uno
de los más brillantes representantes de la llamada Escuela
de Londres,
un grupo informal que aglutinó a un conjunto de artistas de primer
rango, surgidos tras la II
Guerra Mundial,
entre los que se contaron figuras como Francis
Bacon o Frank
Auerbach.
- Con
fama de mujeriego, tuvo trece hijos de diferentes mujeres, algunos de
los cuales retrató.
Evolución artística.
Estudio.
Obras.
La gran mayoría son retratos. Para Lucian Freud el hecho de que un modelo pose para un pintor crea una relación de intimidad conspiratoria. Retrato a familiares como su madre, sus hijas, sus parejas ...
Para el autor las personas que aceptan ser retratadas desnudadas renuncian a la protección, confiando en el pintor que las retrata.
- Retrato de Kitty Garman, hija del escultor Jacob Epstein y su primera mujer. Fue retratada polo pintor en varias ocasións. Su retrato de 1948, "Chica con rosas" fue su primera obra maestra.
- Interior en Paddington (1951), es un retrato de Harry Diamond. Retrata a un hombre que nos observa desafiante, como si estuviera enfadado con el mundo y sus banalidades.
- Gran interior W.9 (1972). Retrata a su madre, ya mayor, sumida en una profunda depresión que la redujo a una pasividad casí completa. Posaba casí sin darse cuenta. En un segundo plano aparece su pareja. Las dos mujeres nunca posaron juntas para la obra. La obra nos deja una sensación de soledad y alienación.
- Entre los modelos que posaron de manera asidua para Freud destacamos a Leigh Bowey o Sue Tilley. El primero se dedicaba al mundo del espectáculo (era actor). Freud lo conoció en una cola y le llamó mucho la atención. Posó casi a diario durante varios años. Ejemplo de esta etapa es su retrato de 1990, aparece retratado despojado de sus trajes de "diva" y con una expresión perversa. Bowey muere a principios de 1994 a causa del sida. Su lugar pasa ser ocupado por Sue Tilley, el pintor se ve atraído por las dimensiones de su cuerpo.
- Destacan sus retaratos de Isabel II y de la modelo Kate Moss.
-*
lunes, 19 de diciembre de 2016
El surrealismo en el cine.
3.1. Describe el surrealismo en el cine, utiliza la obra de Dalí y Buñuel:
" Un perro andaluz"
y el resto de la filmografía de Luis Buñuel:
- La edad de oro.
- Los Marginados.
- Viridiana.
etc.
Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no cronológico de las secuencias.
El rodaje duró 15 días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien.
Un perro andaluz es un cortometraje de 17 minutos, mudo (en 1960 se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guión de Salvador Dalí.
El surrealismo en el cine.
Características:
- Confusión espacio-temporal.
- Humor negro, incluso cruel.
- Importancia del erotismo.
- La imagen es evaluada como un todo más que como una parte.
- Importancia del fundido y del montahe.
- Muestra un universo onírico.
- Ideado al margen de toda estética y moral.
- Utilizado para criticar y escandalizar.
¿ Cuáles de estas características ves reflejadas en Un perro andaluz?
Precedentes:
- El cine de vanguardia de carácter cubista y dadaísta. Ej: Ballet mécanique creación del pintor cubista Léger.
La primera película surrealista será La caracola y el clérigo en 1928. Será un año más tarde cuando se estrena uno de los filmes más importantes del género Un perro andaluz.
" Un perro andaluz"
y el resto de la filmografía de Luis Buñuel:
- La edad de oro.
- Los Marginados.
- Viridiana.
etc.
Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no cronológico de las secuencias.
El rodaje duró 15 días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien.
Un perro andaluz es un cortometraje de 17 minutos, mudo (en 1960 se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guión de Salvador Dalí.
El surrealismo en el cine.
Características:
- Confusión espacio-temporal.
- Humor negro, incluso cruel.
- Importancia del erotismo.
- La imagen es evaluada como un todo más que como una parte.
- Importancia del fundido y del montahe.
- Muestra un universo onírico.
- Ideado al margen de toda estética y moral.
- Utilizado para criticar y escandalizar.
¿ Cuáles de estas características ves reflejadas en Un perro andaluz?
Precedentes:
- El cine de vanguardia de carácter cubista y dadaísta. Ej: Ballet mécanique creación del pintor cubista Léger.
La primera película surrealista será La caracola y el clérigo en 1928. Será un año más tarde cuando se estrena uno de los filmes más importantes del género Un perro andaluz.
Ballet ruso.
Bloque 5. El surrealismo y otras vanguardias. (20%)
7.1 Analiza la importancia del ballet ruso, utilizando la obra de Serguéi Diághilev y Nijinsky.
Los Ballets Rusos fue una celebre compañía de ballet creada en 1907 por el empresario ruso Serguéi Diáguilev con los mejores integrantes del Ballet Imperial del Teatro Mariinsky de San Petesburgo.
Desde 1909, la compañía comienza sus giras internacionales y en 1911 se independiza de los Ballets Imperiales. Se convierte en una compañía independiente residente en París, luego en Montecarlo, París de nuevo y luego Londres.
Causó sensación en Europa Occidental gracias a la gran vitalidad de de la escuela rusa comparada con ballet que se hacía en Francia en aquella época. Se convirtió en la compañía del ballet influyente del siglo XX.
Desde el primer momento, los Ballets Rusos fueron un centro de experimentación artística. Trabaron con compositores como Claude Debussy, Maurice Ravel e Igor Stravinsky.
En 1909 se incorpora a la compañía Vaslav Nijinski en los que interpretó papeles que desde entonces han alimentado su leyenda: Perushka, Le Spectre de la rose, Les Sylphides, Daphnis et Chlöe. A partir de 1912 se dedicó a la coreografía. Creando ballets como Le Sacre du printemps y L´Après-midi d´un faune.
Empresario y bailarín crearan al bailarín moderno. Dejando de ser un mero apoyo de la bailarina y convirtiéndose en un protagonista más de la danza.
Artistas de vanguardia de la talla de Matisse, Picasso, Braque o Chanel participaron en el diseño de vestuarios y escenografías.
Serguei Diaghilev.
Biografía.
Vaslav Nijinsky.
La compañía.
7.1 Analiza la importancia del ballet ruso, utilizando la obra de Serguéi Diághilev y Nijinsky.
Los Ballets Rusos fue una celebre compañía de ballet creada en 1907 por el empresario ruso Serguéi Diáguilev con los mejores integrantes del Ballet Imperial del Teatro Mariinsky de San Petesburgo.
Desde 1909, la compañía comienza sus giras internacionales y en 1911 se independiza de los Ballets Imperiales. Se convierte en una compañía independiente residente en París, luego en Montecarlo, París de nuevo y luego Londres.
Causó sensación en Europa Occidental gracias a la gran vitalidad de de la escuela rusa comparada con ballet que se hacía en Francia en aquella época. Se convirtió en la compañía del ballet influyente del siglo XX.
Desde el primer momento, los Ballets Rusos fueron un centro de experimentación artística. Trabaron con compositores como Claude Debussy, Maurice Ravel e Igor Stravinsky.
En 1909 se incorpora a la compañía Vaslav Nijinski en los que interpretó papeles que desde entonces han alimentado su leyenda: Perushka, Le Spectre de la rose, Les Sylphides, Daphnis et Chlöe. A partir de 1912 se dedicó a la coreografía. Creando ballets como Le Sacre du printemps y L´Après-midi d´un faune.
Empresario y bailarín crearan al bailarín moderno. Dejando de ser un mero apoyo de la bailarina y convirtiéndose en un protagonista más de la danza.
Artistas de vanguardia de la talla de Matisse, Picasso, Braque o Chanel participaron en el diseño de vestuarios y escenografías.
Serguei Diaghilev.
Biografía.
Vaslav Nijinsky.
La compañía.
jueves, 15 de diciembre de 2016
Neoplasticismo.
Bloque 5. El surrealismo y otras vanguardias. (20%)
5.2. Analiza las obras en arquitectura, pintura y mobiliario de los artistas neoplasticistas: Piet Mondrian, Theo van Doesburg y Gerrit Rietvelt.
De Sijl, Neoplasticismo.
En la misma época en la que Tzara escribía el maniefiesto Dadá, Mondrian junto a Van Doesburg (desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y solo nos quedará el estilo) publican el Manifiesto De Sijl, con bases absolutamente opuestas al primero. Si los dadaístas tenían un afán rompedor con la razón y las normas, De Stijl quería renovar el arte de manera normativa, racional, ordenada y simple.
Con el mismo nombre que el manifiesto, De Stijl (El estilo), se agrupan a los artistas y revista liderados por Mondrian y Van Doesburg el la ciudad holandesa de Leiden.
En 1922 la publicación se abrió al dadaísmo y en 1923 Arp y Schwitters se encargaron del suplemento Dadá de la revista llamado Mecano. Mondrian dejó de participar en la revista en 1924 pero su publicación se prolongó hasta 1928, siendo una de las revistas artísticas más importantes de su momento. La separación del grupo de Mondrian se produce en 1925 al querer introducir Doesburg la línea inclinada como parte del lenguaje neoplasticista. Mondrian lo entendía como un elemento desastibilicizador.
Características.
_Neoplasticismo.
- Piet Mondrian.
Vídeo.
- Asocia los siguientes términos a la biografía de Piet Mondrian:
- En su idea de abstracción geométrica busca encontrar la estructura básica del universo.
A partir de un fondo blanco (mezcla de todos los colores luz) crea un retícula de líneas negras (ausencia de color). Parte de la trama creada se cubre con colores primarios (colores elementales de universo según Mondrian).
Para este pintor el arte no debe ser figurativo, debe de ser una especie de indagación en lo absoluto subyacente.
Obras.
Tableau II
- Theo Van Doesburg.
- En Weimar desde donde trabajó en la edición de la conocida revista De Stijl también impartió cursos sobre su concepción artística. Muchos de los estudiantes y profesores de la Bauhaus asitieron a sus clases. Fue el primer artista abstracto que contribuiría a modificar la visión de esta importante escuela de arte (La Bauhaus).
Obras.
Vestíbulo de la Üniversidad de Ámsterdam.
Café L´Aubette de Estrasburgo.
- Gerrit Rietvelt.
Obras.
Casa Rietveld-Schröder.
5.2. Analiza las obras en arquitectura, pintura y mobiliario de los artistas neoplasticistas: Piet Mondrian, Theo van Doesburg y Gerrit Rietvelt.
De Sijl, Neoplasticismo.
En la misma época en la que Tzara escribía el maniefiesto Dadá, Mondrian junto a Van Doesburg (desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y solo nos quedará el estilo) publican el Manifiesto De Sijl, con bases absolutamente opuestas al primero. Si los dadaístas tenían un afán rompedor con la razón y las normas, De Stijl quería renovar el arte de manera normativa, racional, ordenada y simple.
Con el mismo nombre que el manifiesto, De Stijl (El estilo), se agrupan a los artistas y revista liderados por Mondrian y Van Doesburg el la ciudad holandesa de Leiden.
En 1922 la publicación se abrió al dadaísmo y en 1923 Arp y Schwitters se encargaron del suplemento Dadá de la revista llamado Mecano. Mondrian dejó de participar en la revista en 1924 pero su publicación se prolongó hasta 1928, siendo una de las revistas artísticas más importantes de su momento. La separación del grupo de Mondrian se produce en 1925 al querer introducir Doesburg la línea inclinada como parte del lenguaje neoplasticista. Mondrian lo entendía como un elemento desastibilicizador.
Características.
- Renovación estética intentando eliminar todo lo superfluo.
- Las formas se reducen a líneas, planos y cubos.
- Uso de colores planos y saturados (amarillo, azul y rojo) y blanco, negro y grises.
- Empleo de posiciones vertical y horizontal, primando la relación de perpendicularidad entre las formas.
_Neoplasticismo.
- Piet Mondrian.
Vídeo.
- Asocia los siguientes términos a la biografía de Piet Mondrian:
Holanda.
Religión.
Tradición-normas.
SXVII
Década 20s
Esquematización de la realidad.
Evocar-recrear.
Teosofía
Universo absoluto.
Desarrollo espiritual.
Van Gogh y Matisse.
Simbolismo esotérico.
Experiencia en sí misma.
1912
Cubismo
Fachadas de edificios.
Teo Van Doesburg.
De Stijl.
Superfluo.
Colores.
Mejor futuro para la humanidad.
Ensayos.
Acuarelas.
Nueva York.
Blues.
Ritmo.
1944
Victory woogie boogie.
A partir de un fondo blanco (mezcla de todos los colores luz) crea un retícula de líneas negras (ausencia de color). Parte de la trama creada se cubre con colores primarios (colores elementales de universo según Mondrian).
Para este pintor el arte no debe ser figurativo, debe de ser una especie de indagación en lo absoluto subyacente.
Pintor holandés fundador del
movimiento Neoplasticista junto con su compañero Van
Doesburg. Era extremadamente reservado y fue calificado
como “sacerdote al servicio de de la superficie blanca” lo cual
no le desagradaba.
Previamente a fundar el Neoplasticismo
Mondrian fue un pintor figurativo que evolucionó cara el
cubismo. Finalmente en 1917 en la ciudad de Leyden
funda el moviento por el que será mundialmente conocido. Será
tambien en precursor de la revista De Stijl.
En este proceso Mondrian va eliminando
en sus representaciones todo aquello que remitiera a la
figuración, creando un arte abstracto geométrico
regido por normas muy bien definidas. Defendía la utilización
de colores planos y sin matices, para eleminar cualquier rasgo
de volumen en sus formas.
Sus obras se caracterizan por un fondo
blanco, dividido en líneas negras que se cruzan
perpendicularmente generando cuadrados o rectángulos.
Los colores de dichos cuadriláteros seran rojo, azul y amarillo.
Posteriormente, comenzó a sustituír
las líneas negras por otras de colores ej: New York city I
1942 y Broadway Boogie Woogie 1943.
Las
teorías del grupo De Stijl sobre la abstracción y la simplisidad
influyeron profundamente en la aquitectura, diseño
industrial y artes gráficas del SXX.
Obras.
Tableau II
Título: Tableau II
Autor: Mondrian, Piet
Fecha: 1921-1925
Estilo: Neoplasticismo.
Técnica: Óleo.
Soporte: Lienzo.
Localización: Colección Max Bill,
Zúrich (Suiza).
Tema:
Cuadrados y rectángulos rojos,
amarillo azules y negros de diversas medidas
delimitados por líneas negras. El fondo es blanco.
Elementos plásticos:
Se puede apreciar una serie de
elementos que serán una constante en la obra de Mondrian
a partir de los años 20.
Economía de colores:
amarillo, rojo, azul, blanco y negro.
Formas geométricas simples:
cuadrados, rectánagulos, líneas horizontales y verticales
perpendiculares entre sí.
Composición:
El principio compositivo de esta
obra surge de la subdivisión de lienzo mediante
líneas perpendiculares negras sobre fondo blanco, generando
varios rectángulos y cuadrados rellenos
de colores planos. Las líenas negras sirven para aislar
los colores impidiendo que se influyan entre sí.
En este cuadro predominan
los cuadriláteros de colores, ninguno de ellos es especialmente
protagonista. Analizando en conjunto la
composición adquiere dinamismo, generando un
movimientos centrífugos, que se forma si intentamos
recorrer visualmente los elementos del mismo
color en el lienzo.
- Theo Van Doesburg.
- En Weimar desde donde trabajó en la edición de la conocida revista De Stijl también impartió cursos sobre su concepción artística. Muchos de los estudiantes y profesores de la Bauhaus asitieron a sus clases. Fue el primer artista abstracto que contribuiría a modificar la visión de esta importante escuela de arte (La Bauhaus).
Obras.
Vestíbulo de la Üniversidad de Ámsterdam.
Café L´Aubette de Estrasburgo.
- Gerrit Rietvelt.
Obras.
Casa Rietveld-Schröder.
martes, 13 de diciembre de 2016
Expresionismo alemán.
El expresionismo se caracteriza por buscar la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de una realidad objetiva.
Crea una composición gráfica que cumpla las siguientes características:
En pintura, se identifica por el uso de colores agresivos o manchados, la convulsión de líneas, las formas disgregadas, las líneas fracturadas, contorsionadas u ondulantes.
Siendo El grito de Edvard Munch un ejemplo claro del mismo.
Podemos identificar dos grupos:
Die Brücke ( El puente), fundado en Dresde en 1905 por cuatro estudiantes entre los que estaba Heckel y Kirchner. Posteriormente se incorporaran nuevos artistas como puede ser Emil Nolde.
Der Blaue Reiter ( El jinete azul), surgirá en Múnich a partir de 1911. Entre sus integrantes destaca Franz Marc, Vasili Kandinski, Paul Klee, ...
Obras expresionistas:
Improvisación. 1914. Vasali Kandinski.
Muchacha sobre un diván. 1906. Kirchner.
Caballo azul con arcoiris. 1913. Franz Marc.
Interior. 1908. Gabriele Münter.
La última cena, 1909. Emil Nolde.
El cine expresionista:
- Surge como reflejo de la derrota alemana tras la 1ªGM.
- Su ténica se caracteriza por el uso de ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a la pesadilla.
- La finalidad es que el espectador se sienta en ambientes grotescos donde se distorsionan los elementos.
- Sus principales directores serán Fritz Lang, Murnau y Robert Wiene.
Características de las películas expresionistas:
- Importancia de la escenografía, uso en algunos casos de decorados pintados.
- Iluminación con contrastes de luces y sombras.
- Personajes misteriosos o siniestros.
- Vestuario donde había capas y sombreros de copa.
- El movimento al moverse los personajes son abruptos y duros (poco real).
- Aparición de sombras misteriosas.
El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene. (1920)
Argumento.
Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
Análisis.
Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau. (1922)
Se trata de la obra cumbre del su director. Se trata de una adapatación de la novela Drácula de Stoker. La viuda del autor de la novela demandará al director del film por plagio y ganará. Eso hizo que las únicas copias de la película que se conservan son las que habían llegado a EEUU. Es en 1972 cuando se popularizó que Europa en formato vídeo. Murnau consigió en esta película retratar la personalidad del conde y sus inquietantes atributos (uñas largas, grandes colmillos, olor repulsivo, verrugas, cuerpo rígido, ...)
Metrópolis de Fritz Lang. (1927).
La acción tiene lugar en una megalópolis del año 2000. Obreros son recluidos en un guetto subterráneo donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad y del cual no pueden salir. Se trata de una visión apocalíptica del 2000. Se retrata el poder de la clase dominante sobre unos obreros esclavizados que viven en continua pesadilla trabajando sin parar durante 10 horas.
Por primera vez en la historia del cine se rodaron los rascacielos y las visionarias construcciones humanas gracias al procedimiento Schüfftan (utilización de maquetas para crear la ilusión de estar percibiendo grandes construcciones).
El ángel azul de Josef von Sternberg.
Se trata de una adaptación cienematográfica de la novela "Profesor Unrath" de Heinrich Mann. Fue la primera película importante del cine sonoro alemán. Destaca el papel protagonista de Marlene Dietrich que la catapultó al estrellato.
Narra la tragedia de un severo profesor que una noche va a un cabaret ("El ángel azul") para llevar allí a sus alumnos. El profesor acaba seducido por la cabaretera (Dietrich). A partir de ese momento su vida irá de mal en peor.
Crea una composición gráfica que cumpla las siguientes características:
En pintura, se identifica por el uso de colores agresivos o manchados, la convulsión de líneas, las formas disgregadas, las líneas fracturadas, contorsionadas u ondulantes.
Siendo El grito de Edvard Munch un ejemplo claro del mismo.
Podemos identificar dos grupos:
Die Brücke ( El puente), fundado en Dresde en 1905 por cuatro estudiantes entre los que estaba Heckel y Kirchner. Posteriormente se incorporaran nuevos artistas como puede ser Emil Nolde.
Der Blaue Reiter ( El jinete azul), surgirá en Múnich a partir de 1911. Entre sus integrantes destaca Franz Marc, Vasili Kandinski, Paul Klee, ...
Obras expresionistas:
Improvisación. 1914. Vasali Kandinski.
Muchacha sobre un diván. 1906. Kirchner.
Caballo azul con arcoiris. 1913. Franz Marc.
Interior. 1908. Gabriele Münter.
La última cena, 1909. Emil Nolde.
El cine expresionista:
- Surge como reflejo de la derrota alemana tras la 1ªGM.
- Su ténica se caracteriza por el uso de ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a la pesadilla.
- La finalidad es que el espectador se sienta en ambientes grotescos donde se distorsionan los elementos.
- Sus principales directores serán Fritz Lang, Murnau y Robert Wiene.
Características de las películas expresionistas:
- Importancia de la escenografía, uso en algunos casos de decorados pintados.
- Iluminación con contrastes de luces y sombras.
- Personajes misteriosos o siniestros.
- Vestuario donde había capas y sombreros de copa.
- El movimento al moverse los personajes son abruptos y duros (poco real).
- Aparición de sombras misteriosas.
El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene. (1920)
Argumento.
Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
Análisis.
Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau. (1922)
Se trata de la obra cumbre del su director. Se trata de una adapatación de la novela Drácula de Stoker. La viuda del autor de la novela demandará al director del film por plagio y ganará. Eso hizo que las únicas copias de la película que se conservan son las que habían llegado a EEUU. Es en 1972 cuando se popularizó que Europa en formato vídeo. Murnau consigió en esta película retratar la personalidad del conde y sus inquietantes atributos (uñas largas, grandes colmillos, olor repulsivo, verrugas, cuerpo rígido, ...)
Metrópolis de Fritz Lang. (1927).
La acción tiene lugar en una megalópolis del año 2000. Obreros son recluidos en un guetto subterráneo donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad y del cual no pueden salir. Se trata de una visión apocalíptica del 2000. Se retrata el poder de la clase dominante sobre unos obreros esclavizados que viven en continua pesadilla trabajando sin parar durante 10 horas.
Por primera vez en la historia del cine se rodaron los rascacielos y las visionarias construcciones humanas gracias al procedimiento Schüfftan (utilización de maquetas para crear la ilusión de estar percibiendo grandes construcciones).
El ángel azul de Josef von Sternberg.
Se trata de una adaptación cienematográfica de la novela "Profesor Unrath" de Heinrich Mann. Fue la primera película importante del cine sonoro alemán. Destaca el papel protagonista de Marlene Dietrich que la catapultó al estrellato.
Narra la tragedia de un severo profesor que una noche va a un cabaret ("El ángel azul") para llevar allí a sus alumnos. El profesor acaba seducido por la cabaretera (Dietrich). A partir de ese momento su vida irá de mal en peor.
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