Práctica. Comentario de una obra.

Ejemplo.
Ejercicio práctico.

La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.

Walt  Disney nació en Chicago en 1901 fue productor, director, guionista y animador, está considerado un icono internacional del la historia de la animación infantil. Fundó junto con su hermano Roy la compañía Walt Disney productions. En la actualidad es la mayor compañía de animación en el campo del entretenimiento.

Con ayuda de su equipo creó algunos de los personajes de animación más populares. Destacando el ratón Mickey al que el propio productor le puso voz.

El primer largometraje de Disney fue Blancanieves y los siete enanitos. El proyecto era muy ambicioso, se le bautizó debido a esto como "la locura de Disney". Tras dos años de largo trabajo fue el primer largometraje animado en lengua inglesa, el primero en usar Technicolor y un tremendo éxito de taquilla.

 Aportaciones de Disney al cine de animación.

Interacción de actores reales con dibujos animados.

Cortos conocidos como Alice Comedies, en los que una niña interactuaba con personajes animados.
Canción del sur, será el primer largometraje en usar actores reales y dibujos animados.




Sincronización de imagen y sonido en animación.

Steamboat Willie, la primera película de animación con sonido fue obra de esta productora. Se estrenó un año después de El cantor de Jazz, primera película sonora.




Sonido esterofónico.
Disney empleó por primera vez en Fantasía el sonido esterofónico multicanal.



Innovación en el uso de xerografía.

En 101 Dálmatas, gracias a este nuevo avance técnico se consiguió eliminar el proceso de entintado de los dibujos. Mediante este proceso se podían transferir directamente al celuloide.

Animación por ordenador.

Tron, producida por Walt Disney Studios fue pionera en el uso de gráficos producidos por ordenador. Aunque inicialmente no tuvo éxito, actualmente se le considera una película de culto.





CAPS (Computer Animacion Production System).

Se trata de un sistema que permite entintar, dar color y otra serie de efectos de postproducción gracias al ordenador. Se empleó por primera vez en un plano de La Sirenita. Siendo así esta película la última de animación clásica en celuloide.

Compara la obra fotográfica de los artistas comprometidos socialmente, con la fotografía esteticista, por ejemplo, Cecil Beaton.

Cecil Beaton.
Fotos1.
Galería.

• Se hizo conocido por su primera exposición en Londres (1926).
• Tras eso abrió su estudio de fotografía dedicado a la moda y los retratos.
• Trabajó para la edición americana de Vogue como ilustrador.

• Posteriormente tras convertirse en fotógrafo, firma un contrato con la versión británica de Vogue en 1931.
• También trabajó para la revista de moda Harper´s Bazaar y para Vanity Fair.
• Realizó numerosos retratos de las celebridades de Hollywood en los años 30 y fue retratista de la familia real británica.
• A partir de la década de los 50 sus encargos de fotógrafo de moda fueron a menos y se convirtió en un fotógrafo independiente. De está época destaca sus fotografías de una fiesta organizada por un multimillonario llamado Carlos Beistegui en su palacio de Venecia.
• En su última etapa profesional participará en la elaboración de decorados y vestuario para teatro y cine.

Dorothea Lange.

• Fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense.

• Una de sus obras más conocidas es la "Gran Depresión" encargo para la oficina de Administración de Seguridad Agraría. Se trataba de fotografía humanistas que retrataban las consecuencias de la crisis económicas tras el crark del 29. 

• John Ford se inspiró en ese trabajo para Las uvas de la ira.

• En 1935 se divorcia de su primer marido Maynard Nixon conel que tuvo dos hijos y se casa con un profesor de economía agraria, Paul Schuster Taylord. Juntos realizaran un documental sobre la pobreza rural y la explotación de los cultivadores y trabajadores emigrantes. Taylord se encargaba de las entrevistas e información económica y Lange de las fotos.

Lewis Hine.

• Este norteamericano fotógrafo, sociólogo y  gran humanista decidió dejar su trabajo como profesor para dedicarse a la fotografía, medio que hizo servir para sacar a la luz y denunciar sus preocupaciones en una sociedad que mantenía unas duras condiciones laborales (y de vida) para muchos.

• Hine estudió sociología en las universidades de Chicago, Columbia y Nueva York a principios del s. XX. Precisamente es en Nueva York donde comienza a trabajar como profesor en la Ethical Culture School y a darse cuenta de la importancia de la cámara como herramienta de investigación e incluso de docencia.

• Parece que como parte de sus clases, viajaba a Ellis Island (Nueva York) para fotografiar los miles de emigrantes que llegaban cada día. Entre 1904 y 1909, Hine realizó más de 200 placas fotográficas y se dio cuenta también de la importancia de la fotografía documental como herramienta para el cambio social.

• Hine demostró que no es lo mismo decir en un periódico que los niños trabajaban en condiciones deplorables que mostrarlo con una fotografía. Esta última movía a la opinión pública por encima de las posibilidades de cualquier texto en aquella época. 

• En 1908 se convirtió en fotógrafo del Comité Nacional del Trabajo Infantil (National Child Labor Committee (NCLC)). Dejando constancia con su cámara de unas inolvidables estampas de niños trabajando en fábricas, calles o minas. Los niños aplastados compositivamente por grandes cadenas de montaje pensadas para adultos consiguieron alertar a la opinión pública que ejerció presión para endurecer las leyes sobre el trabajo infantil.

• En  Europa y ya en los años 20, seguramente influido por los grandes avances tecnológicos de la época que creyó una ayuda para el trabajador, inició una serie de fotografías tituladas “retratos de trabajo” (work portraits) (Men at work) en las que fotografiaba al hombre y a la máquina en una especie de homenaje a la contribución del hombre a la industria moderna. Alguna de sus imágenes ha influenciado la iconografía o representación posterior de la época, junto a otros clásicos como la película de Chaplin “Tiempos Modernos”.

• Finalmente, dentro de esta serie destacan las imágenes que tomó de la construcción del Empire State Building (Nueva York) entre 1930 y 1931. Hine fue encargado de documentar la construcción del Empire State Building

Walter Evans.

• Los años de la Depresión de 1935 a 1936 fueron de notable productividad y logro para él. 

• En junio de 1935, aceptó un trabajo en el Departamento de Interior de EE.UU. para fotografiar una comunidad de reasentamiento construido por el gobierno, de los mineros desempleados en Virginia Occidental. Rápidamente pasó de este empleo temporal a una posición de tiempo completo como un “especialista de información” en la Administración de Reasentamiento (más tarde Farm Security Administration), una nueva agencia en el Departamento de Agricultura.

• Se le asignó documentar la vida de pueblo y demostrar cómo el gobierno federal estaba tratando de mejorar la situación de las comunidades rurales durante la Gran Depresión. Sin embargo, trabajó con poca preocupación por la agenda ideológica o los itinerarios sugeridos y en su lugar respondió a una necesidad personal de destilar la esencia de la vida americana de lo simple y lo ordinario.

• Sus fotografías revelan un profundo respeto por las tradiciones olvidadas del hombre común y aseguraron su reputación como el documentalista por excelencia de Estados Unidos.

• Entre 1938 y 1941, Evans produjo una notable serie de retratos en el metro de Nueva York, que quedaron sin publicar durante veinticinco años, hasta 1966.

• Evans era un apasionado lector y escritor, y en 1945 se convirtió en un escritor de la revista Time. Poco después se convirtió en editor de la revista Fortune hasta 1965. Ese año, se convirtió en profesor de fotografía en la facultad de Diseño Gráfico en la Escuela de la Universitaria de Arte de Yale.

• Evans falleció en su casa en Lyme, Connecticut, en 1975.

Compara de tipología de las joyas decó, por ejemplo Cartier, con las de otras épocas.

Contexto.
-  Ruptura en el diseño de la joyería debido a la 1ª Guerra Mundial.

- Necesidad de que las mujeres ocuparan puestos de trabajo (emancipación).

- En los años 20 la moda adquirió un estilo masculino y estilizado, destacando como prenda el pantalón de día y el vestido más corto que en épocas anteriores por la noche.

- El pelo de llevaba a lo garçone, destacando los pendientes en la indumentaria.



La joyería Art Deco está caracterizada por los diseños geométricos, combinaciones de color y motivos abstractos.

Las piedras preciosas más populares fueron los diamantes, rubíes, zafiros, esmeraldas, coral, marfil, jade, madreperla, cristal de cuarzo. Siendo el metal preferido el platino.

Una de sus características más importantes era la versatilidad de las piezas. Muchas de ellas contaban con elementos que las podían convertir en collar, broche, pulsera ...

Aunque las primeras piezas son más monocromas se va introduciendo poco a poco el color. Trabajando con piedras nobles mezcladas con otras de menor valor. El primero en introducir este tipo de combinaciones fue Cartier. Cuya colección Tutti Frutti es un claro ejemplo de esta tendencia.

Los motivos animales y vegetales serán los más utilizados. Comenzando por los más conocidos para ir evolucionando cara los más exóticos (palmeras, bambúes, galgos, loros,...) Destacando el diseño de la pantera de la firma Cartier.  A Jackes Cartier (creador de la fima) , sus frecuentes viajes le sirvieron tanto de inspiración como de aprendizaje de nuevas técnicas. Gran parte de su clientera serán los marajás más ricos de la India. Como última innovación de la empresa citar que el primer reloj de pulsera fue creado por la firma como regalo para Santos Dumont un aviador amigo de la familia Cartier. Fue tal su popularidad posterior que se comercializaría a partir de 1908 con el nombre de Cartier Santos.

La evolución del traje femenino. Coco Chanel.

Biografía.
Aportaciones de Chanel al mundo de la moda.

Frases:

El lujo es una necesidad que empieza cuando acaba la necesidad.

No pierdas el tiempo golpeando la pared, con la esperanza de transformarla en una puerta.

La moda es como la arquitectura: se trata de una cuestión de proporciones.

Viví mi vida dando por sentado que todo lo que no me gustaba tendría un contrario, algo que si me gustara.

La moda se pasa de moda, el estilo jamás.

Obra pictórica de Tamara Lempicka.

Tamara Lempicka.

Biografía.

Obras completas.

Tamara fue la primera artista mujer en ser una estrella del glamour. influenciada por el Cubismo;Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Deco en dos continentes. Artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "baronesa con pincel".
Fue la retratista más reconocida de su generación entre la "alta burguesía" y la aristocracia, pintando duques, duquesas, clases sociales acomodadas, ... Gracias a su red de amistades pudo exponer en lo salones elitistas del momento.



- Pintora de origen polaco (Varsovia 16 de Mayo de 1898) que a principios del SXX destacó como retratista y representante del art decó.

- Su temática se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos.

- Hija de una familia acomodada descubrió su pasión por el arte en un viaje a Italia con su abuela.

- En una de sus estancias en San Petesburgo conoció a su marido (avogado). Debido a la revolución rusa este fue encarcelado por los bolcheviques. Tras su liberación, en la que ella participó activamente se instalaron en París.

- En París nacería su única hija. Comenzando Tamara a ganar fama en la sociedad parisina gracias a  sus retratos (elegantes y glamurosos).

- Tras divorciarse de su marido se instala con su hija y su nueva pareja en Beverly Hills y posteriormente Nueva York. Donde Tamara además de pintar de dedicará al interiorismo.

- El final de  su vida lo pasará al lado de su hija en México.

Tras visualizar el siguiente vídeo responde a las cuestiones que aparecen a continuación:

1.       Cita el origen de la pintora. País y ciudad.

2.       ¿En qué movimiento artístico aparece clasificada?

3.       Su obra está compuesta principalmente de retratos. ¿En qué tipo de gente se centraba?

4.       Cita sus principales influencias artísticas.

5.       ¿Dónde estudió arte?

6.       ¿Cuál es la profesión de su primer marido?

7.       ¿Cómo se llama su hija?

8.       ¿A qué se debe su vuelta a la pintura?

9.       Sus encargos en París vienen de…

10.   Año en el que se divorcia

11.   ¿Con quién se casa de nuevo en 1933?

12.   ¿Qué sucede en 1939?

13.   ¿Dónde acaba viviendo en EEUU?

14.   ¿Debido a que se instala en México en 1962?

15.   Hay un acontecimiento que produce la revalorización de la obra de la artista. Cítalo.

16.   Describe su obra. ¿Qué tres aspectos son más destacables a nivel técnico?

Analiza y compara la escultura de Pablo Gargallo y de Constain Brancusi.

Bloque 6. Los felices años veinte.El Art Decó.

Punto 3.1

Ejercicio:

Tras la visualización inicial de fotografías de las principales obras del escultor se efectuará la siguiente dinámica:

A) Plantear una serie de cuestiones que necesitarías saber en caso de tener que  escribir un texto breve sobre la vida del autor o bien analizar su estilo artístico o alguna de sus obras.

B) Se recolectan todas las preguntas.

C) Se entregan una serie de párrafos a los que resumen los acontecimientos más importantes en la vida del autor. Cada párrafo es distinto. Hay un pequeño período de tiempo para leer en voz baja.

D) Se responden en grupo las preguntas planteadas y se añade algún dato más que resulte salientable.

Pablo Gallardo.

• Fue un pintor y escultor español (nace en 1881 en una pequeña localidad zaragozana, Mealla).
• Con siete años se traslada con su familia a Barcelona.
• Entra a formar parte del taller de Eusebi Arnau uno de los principales representantes del modernismo escultórico catalán. debido a ello sus primeras obras tendrán una cierta influencia modernista como puede percibirse en la decoración del hospital de la Cruz.
• Conoce a grandes artistas de la vanguardia frecuentando el café Els Quatre Cats.
• Obtuvo una beca para ir a París, allí se trasladó definitavemente durante la dictadura de Primo de Rivera.
• La influencia cubista que recibe en París le hará evolucionar a unas formas más esquemáticas y simples. Comparte estudio con Pablo Picasso, al que ya había conocido en Barcelona. 
• Estando en París recibe encargos del ayuntamiento de Barcelona para decorar la ciudad. Destaca Los jinetes del saludo olímpico y la Vendimiadora.
• Desde aproximadamente el inicio de la década de los 30. Gargallo comienza a usar hierro forjado. El vacío se incorpora a la escultura como un elemento más, lo que posteriormente se ha conocido como "vacío escultórico".
• La luz es otro componente importante de sus obras. El juego de luces y sombras que producen sus obras al ser iluminadas es parte de la obra. Ejemplo.
• Entre sus obras destacamos El Violinista, La gran bailarina. El profeta., tres piezas inspiradas en Greta Garbo:
• Masque de Greta Garbo à la méche.Masque de Greta Garbo aux cils.Tête de Greta y los Garbo avec chapeau.
• Es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del SXX.
• Estará influido por su amigo Julio González.
• Muere el 28 de diciembre de 1934 en Reus. A causa de una neumonía.

Obras ordenadas cronológicamente.

Constantin Brancusi.

Artículo.
Obras.
Vídeo resumen.
Obra fotográfica.

Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer en París. Su obra a influido en nuevos conceptos de la forma en la escultura. Su obra consta de unas doscientas esculturas. Su estilo es muy personal, geométrico, con la eliminación de los detalles que le condujo al borde de la abstracción.

Tras un comienzo difícil se consagra como escultor al acabar la 1ª Guerra Mundial

Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano, intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y madera.

Predominan en su obra dos formas simples: 

• El huevo.
• El cilindro alargado.

Obras importantes:

- Mademoiselle Pogany.
- El recién nacido.

- Pájaro en el espacio.

- El beso.

- La sabiduría.

- Prometeo.

- La columna del infinito.
Mide aproximadamente 30 metros, está ubicada en el parque público de Tirgu Jiu, cerca de su ciudad natal

El surrealismo.

1.1 Relaciona las ideas sobre el psicoanálisis de Sigmund Freud y las creaciones surrealistas, especialmente con el método paranoico-crítico de Salvador Dalí.

- El surrealismo comienza en 1924 en París cn la publicación del " Primer Manifiesto Surrealista" de
André Breton.

- Están muy influenciados por la teoría psicoanalítica de Sigmund Freud, intentan plasmar por medio de formas figurativas o abstractas la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente.

- Preferencia por títulos largos, equívocos y misteriosos.

- Fue el movimiento artístico (pintura, escultura, fotografía, cine, ...) y literario más importante de entreguerras. Su finalidad era tansformar la vida a ravés de la liberación de la mente del hombre. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierte en instituciones a revisar.

- Hay dos claras influencias en toda obra surrealista. Por un lado el dadaísmo, muchos de los autores dadaístas evolucionan cara el surrealicmo. Por otro lado la pintura melafísica, siendo Giorgo de Chirico su principal representante. De hecho este autor participa en lo primeros eventos expositivos del grupo.

Giorgo de Chirico (Importante por su influencia al movimiento surrealista).

Entre sus obras destacamos Héctor y Andrómaca. Representa a dos maniquíes en medio de un espacio vacío, donde apenás se intuye algún edificio. El título nos revela que se trata de un héroe troyano y su esposa (dos de los personajes protagonistas de la Iliada). Representa el momento del relato en el que la pareja se despide sin saber si se volverá a ver. Aquiles ha retado a Héctor a un combate del que sólo el vencedor saldrá vivo. Chirico capta ese dramatismo. Los maniquíes intentan abrazarse, tocarse... siendo esto imposible. Tenemos dos versiones de esta obra. Una de 1917, durante la primera guerra mundial y una segunda versión al acabar al acabar la 2ª guerra mundial.

- Observamos dos vertientes:

• El surrealimo abstracto: Con obras cada vez más sintéticas que se sitúan en el límite de lo figurativo y lo abstracto. Artistas como Andre Masson, Joan Miró y Paul Klee.
• El surrealismo figurativo: Con una técnica más cercana a la realidad representada. Ejemplo de esto serán artistas como Salvador Dalí, creador del famoso método paranoico crítico y Rene Magritte.

Método paranoico-crítico.
Esquema sobre el psicoanálisis.

1.2. Explica las principales características del movimiento surrealista.
Características.

Técnicas surrealistas.

- Ensamblaje. Heredada del dadaísmo. Creación de esculturas a partir de la asociación de varios objetos.

- Collage. Técnica muy utilizada por los dadaístas, creada por los cubistas. Creación de una imagen a partir de varias distintas.


- Frottage. Dibujos logrados por el roce de superficies con textura contra el papel, lienzo ...

- Cadáver exquisito. Varios autores crean las distintas partes de una figura o un texto sin ver el trabajo anterior.

- Decalcomanía. Técnica que consiste en crear imágenes mediante la presión de una superficie sin pintar sobre otra parte ya pintada con pintura húmeda. Ambas partes se despegan antes de que se sequen.

- Grattage. La manera crear una línea, punto o plano es mediante el desprendimiento de parte del material pictórico del soporte.


Principales artistas:

Max Ernst, evolucionó del dadaísmo al surrealismo. Investigó con las diferentes técnicas de creación surrealista. Detaca especialmente utilizando el frottagge.
Obras.

Salvador Dalí
Obras.


Joan Miró (1893-1983)
Fundación Joan Miró.

Es el máximo representante del surrealismo abstracto (aunque fue una fase dentro de su producción).
Sus cuadros están llenos de poesía. Predominan los colores puros y las tintas planas.

El carnaval del arlequín (1924) Marcará el inicio de un nuevo estilo en sus obras.

Entre los múltiples personajes de cuadro destacamos:

• Un autómata que toca la guitarra.
• Un arlequín con grandes bigotes
• Un pájaro con alas azules saliendo de un huevo.
• Un par de gatos jugando con un ovillo de lana.
• Un pez volando.
• Un insecto que sale de un dado.
• Una escalera con una gran oreja.

Todos estos seres se encuentran en una habitación con una ventana donde se aprecia una forma cónica (posible representación de la torre Eiffel). Contrasta la habitación en perspectiva con la sensación de falta de gravedad de los personajes (parece que flotan). Alguno de los elementos que aparecen en el cuadro acabarán siendo parte de sus símbolos recurrentes: escalera, pájaros, sol, estrellas.  

Entre su producción posterior destacamos:

Personajes de la noche guiados por rastros fosforescentes de los caracoles.
El bello pájaro descifrando lo desconocido a una pareja de enamorados.
Naturaleza muerta con zapato viejo.
Mujeres y pájaros en claro de luna.

Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de sus últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París.Noche y día.

René Magritte, (1898-1976)

Es uno de los surrealistas más simbolistas. Provoca al espectador representando formas realistasvpuestas en lugares inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitectura, esculturas, ambientes internos y externos. Magritte no buscaba dar expresión al subconsciente, sino romper con los convencionelismos para representar la realidad.

André Masson, (1896-1987)

Destaca por su dibujo automático y laberíntico. La manera de aplicar el color es muy personal. Analiza la estructura del objeto para descomponerlo eliminando su iconicidad en muchos casos.

Marc Chagall,  (1887-1985)

Presenta hechos sacados de la realidad dentro de un ambiente ensoñador.

Yves Tanguy, (1900-1985)

Muchas de sus obras presentan objetos misteriosos sin correspondencia con la realidad objetiva. Dichos elementos se representan en espacios desolados inmensos.

Su obra Días de lentitud,es un claro ejemplo de dicha tendencia.

Hans Arp, (1886- 1966) aunque fue miembro fundador del movimiento dada participa también en actos expositivos del surrealismo.

La obra de Arp gira en torno a dos temas fundamentales:

• El mundo vegetal.
• La figura humana.

Trabaja todo tipo de materiales : escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas , la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.

Destacamos entre as súas obras Corifeo, donde aparece una clara alusión a la figura humana. Donde contrasta los redondamientos de la pieza en marmol blanco con la peana en granito negro.

1.      ¿Cuántos años vivió Jean Arp?

2.      ¿Cuál era su nacionalidad?

3.      Estudia artes en una ciudad que posteriormente será sede de la Bauhaus. Cita dicha ciudad.

4.      Con que vanguardias artísticas colabora?

5.      ¿Qué toman como referencia Arp para crear esas formas que tanto lo caracterizan?

6.      Aunque se consideraba pintor, ¿Qué otro tipo de obras realiza?

7.      ¿Con que tipo de materiales trabaja?

8.      Cita la década en la que tiene contacto con el dadaísmo y el lugar donde comienza a tener relación con los artistas dadaístas.

9.      ¿Qué singularidad poseían como artistas dada tanto Jean Arp como su mujer Sophie Taeuber?

10. ¿Cómo definirías sus obras dadaístas?

11. ¿Por qué se duda de la utilización del azar en algunas de sus obras?

12. ¿En qué año se centra más en obra abstracta?

13. Su primera exposición con el colectivo surrealista es de 19_____

14. ¿Cómo definirías sus obras en los años 30s?

15. Dichas obras se pueden clasificar en dos subgrupos. Cítalos.

16. ¿Cuál es la profesión de su mujer?

17. ¿Qué tipo de creaciones realizará a mediados del siglo pasado?

18. Nombra las obras del autor que para tu criterio resulten más interesantes. Explica dicha razón.

Dadaísmo

Artistas relevantes:

Kurst Schwitters, este artista dadaísta alemán nacido en 1887 destacó por sus collages y ensamblajes reutilizando diferentes materiales de escaso valor económico.

Marcel Duchamp, este artista y ajedrecista francés marcó un hito en el arte contemporáneo gracias a sus "ready-mades". Este término servía para designar productos comerciales corrientes transformados en arte. El primer ready-made es el conocido urinario que Dumhamp rebautizó como "La Fuente" (Fountain).

Jean Tinguely, este creador suizo se hizo famosos por sus originales esculturas cinéticas o "maquinas-escultura" . En ellas satiriza sobre la sobreproducción de bienes por parte de la sociedad capitalista. Tiene importantes obras de arte público.

El dadaísmo.

- Creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) en 1916 con Hugo Ball como fundador.

- Desde Europa se extiende a EEUU.

- ¿ Causa? Una serie de artistas de distintas nacionales se ven refugiados en Zúrich durante la 1ª Gerrra Mundial. El desencanto de dichos artistas junto con la rebelión que sentían por la producción artística de sus coetáneos.

- El poeta rumano Tristan Tzara creará varios textos para definir la ideología del grupo. Entre los cuales destaca El primer manifisto dadaísta y  Siete manifiestos dadaístas.

El dadaímo se manifiesta en contra:

-  La eternidad de los principios, leyes de la lógica, el modernismo y demás movimientos de vanguardia, la construcción consciente.

Se manifiesta a favor:

 -  Lo espontáneo, la libertad del individuo, el azar, lo aleatorio, la contradicción, la  provocación, el escándalo, la unión entre arte y vida.