Ejercicio de opinión personal.

Jackson Pollock.


Joan Brossa. Nupcial.



David Hockney. 

Rene Magritte. Los amantes II.





Klimt. El beso.



Kokoschka. La novia del viento.

Repaso romanticismo.

La pintura romántica: características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:

• El romanticismo es un estilo artístico que tiene manifestaciones en literatura, música y artes plásticas.

• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.
• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden
• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados.
• En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas. Surge el exotismo de la memoria de un misterioso y glorioso pasado destacando la edad Media, en especial la época gótica. El gótico es el estilo por excelencia. En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos históricos, etc.

- El exotismo también en una amplitud geográfica que incluye el mundo desconocido del norte de África y la nueva América salvaje. Se descubre Oriente, que ofrece la luz y el color, así como nuevos temas. Por último la fantasía y sobre todo el drama con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas. Así como por los monstruos y las criaturas anormales.

Otro gran descubrimiento del Romanticismo es la Naturaleza y el cultivo del género del paisaje, que será exhaustivo. Se pintan paisajes fantásticos, imaginativos, de estudio, evocados, etc. El pintor se enfrenta a la realidad del paisaje, salen al exterior. Por ejemplo los paisajistas alemanes, con Friedrich a la cabeza, proponen el paisaje espiritual, que ayuda a la evocación religiosa por medio de su grandeza. Valoran los estados atmosféricos adversos, como la niebla, las tormentas ...

- También reivindican la individualidad, el culto al individualismo. El artista prefiere su libertad a la de la colectividad. Por eso son pocos los artistas comprometidos. Por ejemplo Delacroix con la “Libertad guiando al pueblo” donde aparecen pintadas por primera vez las barricadas como testimonio de reivindicación política. Aunque, en general, las reivindicaciones son más exóticas, temas de bandoleros como héroes románticos, etc.
Dentro de la individualidad surge una nueva relación entre cliente y artista. Es un trato de igual a igual.

- No están a favor de normas académicas que limiten la libertad creativa del artista. Frente a esto la pasión y las emociones toman protagonismo.

- Pintores más importantes:

Francia.
Delacroix.
Géricault.

Inglaterra.
John Constable.
William Turner.

Alemania.
Friedrich.

Vídeo

Repaso de Goya.

Cuestionario.

Vídeo




Familia Carlos IV.



Imagen.

Presentación.

Repaso Picasso.

Comentario.

Comentario de impresión del Sol naciente. Monet.

Comentario.
Máis comentarios.

Clasifica los párrafos del siguiente comentario según correspondan a:

- Situar a los artista en su marco histórico.
- Comenta las diferencias estilísticas, temáticas y formales. Composición, iluminación, uso o no de perspectiva, formas, colores, análisis de la luz.
- Reflexión personal.

Explica la evolución desde el arte basado en la naturaleza (modernismo), al arte geométrico (art decó).

Diferencias.

La Revolución Industrial produjo muchos cambios, no solo en la industria, provocó un fuerte impacto en el arte, ya que personajes como Morris o Ruskin se levantaron fervientemente contra ella, ya que pedían una transformación de las artes, una vuelta al trabajo artesano; así surgió el Modernismo, un estilo que busca el arte total, la belleza aplicada a todos los órdenes de la vida, inspirándose en la naturaleza y sus formas. El Modernismo se desarrollo desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX, cuando empezó el Art Decó (concretamente de 1920 a 1939), un movimiento de diseño popular que afectó a las artes decorativas y al arte visual, y que al contrario que el Modernismo, se inspiró en las Primeras Vanguardias. Le influyen, el Constructivismo, Cubismo, Futurismo y el propio Modernismo del que evoluciona, y también la escuela de la Bauhaus (Racionalismo).

Art Noveau.

Los origenes y las causas de este movimiento están en la revolución industrial.

Personas como William Morris (Arts an Crafts) creían necesarío un cambio social, que la producción industrial tuviera una estética más artesana.

Características específicas del modernismo dependeran del país donde se desarrolle. Mientras en Bélgica, Francia y España predomino la línea curva en Gran Bretaña y Austria redominó la línea recta y la geometrización.

El término Art Noveau fue utilizado en Inlaterra y EEUU, en Austria Secesión, Jungendstill en Alemania, Le Style en Francia, Modernismo en España.

Buscan la belleza en todos los órdenes de la vida, afecta princpalmente a la arquitectura y a la decoración de interiores.

Autores:

Alfons Mucha.

Gustav Klimt.

Víctor Horta.

Lluís Domènech

Antonio Gaudí

Otto Wagner

Rubén Darío

Ravel

Art Decó

Surge en 1925 en la Exposición Internacional de de las artes decorativas e industriales modernas celebrada en París.

Refleja el espíritu de la “BelleEpoque” y “Los felices años veinte”.

Sus producciones se caracterizaban por el uso de materiales caros y extraños ( piel de serpiente, concha de tortuga, ébano … Lujos que reflejaban las excentricidades de una clase acomodada y deseados por la clase “no acomodada”, surgen así imitaciones a precios más bajos.

Los grandes almacenes son decorados siguiendo esta estética. Ejemplo : almacenes Laffayette.

Tiene dos períodos el zigzag desarrollado en Europa y se inspira en Egipto, Mesopotamia … Caracterizado por composiciones geométricas en movimiento. El segundo período es en EEUU y se denomina Streamline, donde se primaba a estética da máquina.

Artistas.

Evolución.


Contesta a las siguientes cuestiones;

1) Define las ciudades de los años 20.
2) Define el SXX.
3) ¿Cuáles eran las pretensiones de las vanguardias de la primera mitad del SXX ?
4) ¿ Por qué es rechazado el Art Decó?
5) Según la autora del vídeo es el movimiento artístico que mejor describe la primera mitad del SXX, explica su tesis.
6) Cita dos obras cinemetográficas con estética Art Decó.

Vídeos de diferentes movimientos artísticos y comentarios de obras.

Vídeos.
Obras.

Sisley.

Introducción al impresionismo.







Biografía. Sisley.

• Nació en París en 1839 y murió en Moret-sur-Loing, un pobo Francés en 1899.
• Pintor impresionista con obra poco apreciada en su tiempo. Ha ganado el reconocimiento con el paso de los años.
• Se formó en el estudio de Gleyre, donde conoció a Monet, Renoir y Bazille.
• Sus primeras obras acusaban la influencia de Camile Corot, con predilección por la pintura al aire libre.
• La quiebra económica del negocio familir por la guerra franco-prusiana en 1870 hizo que Sisley se dedicara exclusivamente a la pintura sin demasiado éxito en vida. 
• En lienzos como La esclusa de Bougival y Nieve en Louveciennes destacan los efectos cambiantes de la luz en el agua y la nieve.
• En Pueblo a la orilla del Sena  1872. Observamos un sencillo paisaje , en el primer plano se encuentra la orilla, sombreada por árboles jóvenes. Juega con los destellos del sol.
• Ante la escasa repercusión obtenida por sus cuadros en las primeras exposiciones impresionistas, se retiró en 1880 a Moret-sur- Loing, donde vivió el resto de sus días, donde cultivó un estilo más personal.
• Se distinguía por el uso armónico de los colores y un sentido muy cuidado de la composición que no siempre se producía en las obras impresionistas.
• El cuadro Día ventoso en Veneux de 1882 destaca por el uso de una gama cromática sombría. 

Paul Cézanne. Repaso.

Introducción al postimpresionismo.




¿Qué características postimpresionistas observas en los siguientes cuadros?
Cuadros postimpresionistas.

Obras más importantes.

• Nació en 1839 en Aix-en-Provence, Francia.
• Hijo de un baquero con clara vocación de pintor. Comenzó estudiando derecho y lo abandonaría por la pintura. 
• Su primer estudio de pintura fue en la casa de campo de su padre.
• Su hermana y su hermana lo apoyarán a estudiar Bellas Artes  en París.
• En sus visitas al museo del Louvre descubre la obra de Caravaggio y Velázquez que marcaran su trayectoria artística.
• Sufre una crisis creativa que le llevará a trabajar en el banco de su padre.
• Tras esa etapa vuelve a París donde conocerá a Pisarro. Dicho encuentro producirá un cambio radical en su estilo. Dejará a un lado las normas académicas,la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba.
• En 1886, el salón de otoño rechaza sus obras. Desde entonces intenta en varias ocasiones que acepten su producción sin éxito. Finalmente dos años antes de su muerte le dedican una sala en exclusiva.
• También en 1886 muere su padre y se separa de su mujer. Cambia su residencia en París por la de Aix, donde pinta su conocido cuadro, La montaña de Santa Victoria.
• Continúa su actividad en el anonimato hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó con el apoyo de Pisarro, Renoir y Monet una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica.
• La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista. Fue pionero en su concepción del color, que trató como un elemento pictórico independiente de la forma. Compaginó el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición y el ritmo.

Alphonse Mucha.

Biografía y obra.




- Nacido en 1860 en la ciudad de Ivancice (Imperio austríaco).
- Pintor, decorador y cartelista es considerado uno de los mayores representantes del Art Noveau y precursor de la publicidad moderna.
- En 1879 comienza trabajando como decorador en Viena en una compañía de diseño teatral.
- Al cerrar la compañía se dedica de forma independiente a la pintura decorativa, paisaje y retrato.
- De sus primeros trabajos destaca los frescos para el castillo Hrusovany Emmahof. El conde que le había hecho el encargo quedo fascinado por el resultado y se hace cargo de su formación.
- Con 25 años comienza a estudiar en la Academia de Artes de Munich. Tras formarse durante dos años viaja a París donde recibe el encargo de la editorial Armand Collin de ilustrar la historia de Alemania de Charles Seignobos.
- El enorme éxito de la obra teatral "Gismonda de Victorien Sardou" de la que Mucha realizó el cartel. le supuso el reconocimiento de sus contemporáneos. Trabajó para dicha compañía  ( Teatre Renaissance) durante 6 años. Diseñando carteles, participando en el diseño de escenografía y vestuario.
- A sus cuarenta años Alphonse Mucha era un artista reconocido y totalmente consagrado. Entre sus producciones más peculiares será el diseño de unas cajas contenedoras de jabón de estilo Art Déco, muchos billetes, sellos postales y documentos gubernamentales para la república Checa. También colaborará con el diseñador de joyas parisino Georges Founet.

- Durante la exposición universal de París de 1900. El trabajo del artista estaría expuesto en varios pabellones. Consiguiendo así una difusión a nivel mundial.
- Sus obras se caracterizaban por el empleo mayoritario del formato vertical, composiciones elaboradas enmarcadas por elementos geométricos de origen oriental y bizantino. Utilizaba elementos naturales y orgánicos que ayudaban a equilibrar la composición. La figura femenina es su principal referente temático, suelen ser chicas jóvenes de pelo largo y sofisticados ropajes.
- Entre sus amigos artistas destaca Rodin y Gauguin (llegó a compartir estudio)
- Su obra más importante, a la que le dedicó 16 años será Epopeya Eslava, 20 pinturas murales inspiradas en la mitología eslava y la historia de la nación Checa.

Toulouse-Lautrec

Biografía.

Toulouse lautrec de Fernando

• Pintor y litógrafo que a pasado a la historia por retratar la vida parisina de finales del SXIX.
• Hijo de una familia de terratenientes acomodada.
• Su vida a estado marcada por una enfermedad ósea padecida desde su infancia, esto unido a dos accidentes en sus piernas definieron su peculiar aspecto físico.
• Unido a sus problemas físicos padeció neurosis que le obligaron a ser internado en ocasiones el sanatorios mentales y tuvo graves problemas por su adicción al alcohol.
• en 1882 comenzó su formación en París en el estudio del pintor Léon Bonnat primero y posteriormente junto a Fernand Cormon.
• Tras un periodo inicial donde se acerco al impresionismo empezó a desarrollar su estilo personal. 
• Estará interesado en captar la vida urbana, con una clara influencia del arte japonés.
• En 1884 creo su taller en Montmartre. Comenzará a alterar sus visitas a museos y galerías de arte con visitas a cafés, circos y cabarets. Es precisamente en esos lugares donde encuentra sus motivos a representar.
• Comienza a trabajar ilustrando diversos libros, revistas y periódicos. Sus litografías aparecían en las paredes de los locales que frecuentaba, como en el Cabaret Mirliton y el Moulin Rouge.
• Murió a los 37 debido a una apoplejía. 

Obras más importantes.
Carteles.

Obras.

Creación artística y tecnología digital.

Introducción.

Los artistas siempre han sido de los primeros usuarios de las nuevas tecnologías, desde Alberto Durero y su utilización de la imprenta en el siglo XVI hasta los experimentos de Nam June Paik con el vídeo en la década de 1960. En 1994, la llegada de internet como medio popular fue el catalizador de un movimiento artístico global que comenzó a explorar las posibilidades culturales, sociales y estéticas de nuevas tecnologías de comunicación tales como la web, las cámaras de vigilancia, los teléfonos móviles, los ordenadores portátiles y los mecanismos GPS

Texto.
Arte digital.

- El arte actual no tiene reparos en servirse de cualquier herramienta que la ciencia o tecnología contemporáneas hayan desarrollado. Pero, no podemos obviar que el hecho de emplear la tecnología más actual modifica el propio proceso creativo, los papeles de creador y de espectador y la estética de la propia obra.

- Este arte combina el espacio virtual con el real.

- Si bien la fotografía liberó al arte de su necesidad de representar la realidad, la creación de la televisión supuso un cambio en la cinematografía e internet está transformando al mundo de la televisión. Los avances tecnológicos modifican la finalidad del arte y sus propios resultados estéticos.

- Quizá lo que más se está poniendo en duda gracias al empleo de nuevas tecnología es el concepto de obra de arte única. La imposibilidad de distinguir el original de la copia debido al empleo de la máquina. Eso al mismo tiempo hace replantearse la idea de arte como objeto de mercado.

- La interactividad de la obra de arte es otro elemento a tener en cuenta en el arte que emplea la nueva tecnología, dependiendo del interfaz usado por el espectador la experiencia será una u otra (ratón, teclado, joystick, ...)


Artistas.
Dora García.

Utiliza la red como un elemento más para realización de sus proyectos. Ejemplo de ello es "Insertos en tiempo real" donde combina Performance+vídeo+net.art+web-cams.

Olia Lialina
Quien reclama el URL como sello de originalidad y unicidad
1
2

Cory Arcangel,

Jonah Brucker-Cohen y Katherine Moriwaki, umbrella.net

Young-Hae Chang Heavy Industries,


Vuk Cosic, 

Uno de los pioneros del net.art, Vuk Cosic, se interesó en el código ASCII durante un largo período de tiempo (1996-2001) en tecnología de baja estética, en economía, ecología y arqueología de los medios de comunicación, en las intersecciones entre el texto y el código que utilizan las pc, en el uso de los espacios en la información, su naturaleza fluida e infinita convertibilidad. De esto surgen “Art for the Blind”, ASCII Unreal (un juego de arte), ASCII Camera, ASCII Architecture, Deep ASCII History of Moving Images, una historia del cine convertida en formato de texto. Co-fundador de Nettime, Syndicate,7-11 y Ljubana Digital Media Lab.


Mary Flanagan,

 Ken Goldberg,

 Paul Kaiser y Shelly Eshkar,


Mouchette,

 MTAA, 

Keith y Mendi Obadike,

Raqs Media Collective, 

 Jennifer y Kevin McCoy,

Vídeo

Radical Software Group,
Galería.


RTMark, 

John F. Simon Jr.

Vídeo.

Camile Pissarro.

Biografía y obras.

- Es uno de los fundadores del Impresionismo.
- Era el mayor del grupo y el único que participó en las 8 exposiciones que se celebraron.
- Nació en 1830 en Santo Tomás (Islas Vírgenes, cerca de Puerto Rico). Hijo de un próspero comerciante judío.
- A los 12 años viajó a París por motivos de estudios y el ambiente de la ciudad le despertó el interés cara el arte. El padre no veía bien dicha predilección artística.
- 1852 viajó a Caracas como ayudante del pintor Fritz Melbyl ( dinamarqués) y allí pintó paisajes y escenas constumbristas.
- En 1955 comenzó sus estudios artísticos:

1. Academia de BBAA en París.
2. Academia Suiza.
3. Con el paisajista Camille Corot.

- En Londrés conoció a Monet, trabajaron juntos y en su regreso a Francia se unieron al dueto Renoir, Sisley y Guillaumin. Nació así el Impresionismo. Hasta dicha época se le asociaba a la Escuela de Barbizon.

- Durante la guerra Franco-prusiana su casa fue saqueada y parte de su producción destruida.

- Sus temas predilectos serán retratar la vida natural y rural (casas, árboles, campos, montones de heno, campesinos, ...)

- Influenciado por Seurat y Signac, experimentó en el puntillismo. Las malas críticas de ese período lo llevaron a volver a su anterior estilo.

- Cuando la enfermedad ocular que padecía empeoró abandonó la pintura al aire libre y centrarse en escenas urbanas. Se trasladó a Ruán y pintó vistas de la ciudad y de su puerto.
- Murió en París 1903.

La bauhaus.

Casa de la construcción.

• Bauhaus, es una palabra alemana. Bau significa construcción y Haus, casa.
• Será la primera escuela de diseño del SXX.
• Un referente internacional de arquitectura, arte y diseño.
• Surge de la unión de las escuelas de artes y oficios con las de bellas artes por medio del arquitercto Walter Gropius en 1919 en la ciudad de Weimar.
• Para Gropius la base estaba en la artesanía, los artistas se tenían que volver al trabajo manual. 
• Se puede englobar dentro del conjunto de movimientos nacidos en el SXX que pretendían una renovación del arte, cultura y sociedad.
• La escuela tuvo su sede en tres ciudades: - Weimar (1919-1925)

1. Se establecieron los objetivos de la escuela.
2. Se recuperaron métodos de construcción artesanales.
3. Pretendían diseñar, producir y comercializar objetos de consumo asequibles para el gran público. La idea era comercializar sus propios productos para dejar de vivir de subvenciones estatales.
4. Se entendía el arte como respuesta a las necesidades sociales. Se pretendía formar a un creador artista-artesano, equiparando en importancia ambas facetas.
5. Su plan de estudios estaba estructurado del siguiente modo: 6 meses de trabajo en los distintos talleres (piedra, metal, barro, tejidos, vidrio, dibujo) al mismo tiempo un curso común más teórico de textura, color, forma, contorno y materiales. Tras esa primera etapa formativa pasabas a especializarte.
6. Los pintores Paul Klee y Kandinsky se unieron como parte del claustro de la escuela en esta primera época.
7. En 1923 se realizó la primera exposición de la Bauhaus.
8. A partir de 1923 la escuela experimenta un cambio de dirección. El encargado de la misma pasa a ser László Moholy-Nagy, el cual introdujo la ideas del constructivismo ruso y el neoplasticismo.  
9. Durante este período destaca el trabajo como publicista y tipógrafo de Herbert Bayer, estudiante de la escuela que acabó siendo su director de impresión y publicidad. Diseño un estilo tipográfico donde eliminó las mayúsculas y las serifas ( Architype Bayer).

• Dessau (1925-1932).

1. Dessau era una ciudad industrial deseosa por potenciar su oferta cultural.
2. La escuela se instala en un edificio diseñado por Walter Gropius. Se trata de un edificio de planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas. Donde los ventanales cobran gran importancia.
3. Con el objetivo de fomentar el trabajo en equipo y promover la relación entre la escuela y los ciudadanos se llevaron a cabo grandes fiestas temáticas.
4. Debido a las presiones gubernamentales Moholy-Nagy abandona la escuela sucediéndolo en el cargo Walter Gropius y posteriormente Hannes Meyer
5. Tras el abandono de Gropius como profesor, siendo imitado por otros compañeros. La dirección pasa en 1930 a Ludwing Miës Van Der Rohe.
6. La obra de la Bauhaus en Weimar y Dessau fue nombrada patrimonio de la humanidad por la Unesco en 1996.

• Con la llegada de los nazis al poder se cierra la escuela y se traslada a Berlín.                         Berlín (1932- 11 de abril de 1933).

1. Las autoridades nazis clausuran la escuela para eliminar cualquier rastro de "cosmopolitismo judío" y de "arte decadente bochevique".
2. Tanto el director como profesores y alumnos fueron perseguidos por el régimen. Huyeron del país e se instalaron en EEUU.
3. László Moholy- Nagy estableció la Nueva Bauhaus: El Instituto de Diseño de Chicago.

• Trataba de unir todas las artes estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana (desde la silla en la que te sientas hasta la página que lees).
• Por primera vez el diseño industrial y gráfico fueron considerados profesionales. 
• Uno de los principios establecidos desde su fundación fue "la forma sigue a la función". Se primaba el empleo de los colores primarios, nuevas concepciones del espacio y de la forma e integración de las artes.