Varios.

Escenas de películas basadas en cuadros.

Escultura Europea.

- Henry Moore. Castleford, 30 de julio de 1898 – Much Hadham, 31 de agosto de 1986.

• Importante escultor británico del SXX.
• Su obra está centrada en la figura humana ( especialmente en la mujer).
• Obra está compuesta por esculturas y dibujos donde mezcla las tendencias del pasado con las tendencias actuales.
• Comenzó trabajando como maestro debido para contentar a su padre, pero tras ser herido en Francia durante la I Guerrra Mundial, decide dedicarse a su vocación de escultor.
• Comenzó estudiando en la Leeds School of Art y desde 1921 se traslada a Londres para estudiar en el Royal College of Art.
• En sus visitas regulares al British Museum, quedo fascinado por las esculturas griegas y otras manifestaciones artísticas no occidentales ( arte africano, de Oceanía y precolombino).
• Durante la década de los años 20 viajó a Francia e Italia, donde conoció la obra de Cézanne, Picasso, Hans Arp y Modigliani. También de maestros renacentistas como Giotto y Massaccio.
• A partir de 1933 Moore entró a formar parte del grupo Unit One ( formado por personajes como Barbara Hepworth, Ben Nicholson o el crítico Herbert Read).
• Formo parte en 1936 de la International Surrealist Exhibition en Londres, pese a no formar parte del grupo surrealista.
• El gobierno inglés le encargo ilustrar como los ciudadanos londinenses se refugiaban en las estaciones de metro durante los bombardeos de la II GM. Utilizando para este encargo un estilo más naturalista que anteriores ocasiones. De hecho su estudio fue bombardeado en 1940.
• En 1946 nació su única hija, a partir de ese momento su temática se centra más en la vida doméstica y familiar. La mujer acompañada de un niño protagonizaran gran parte de sus obras.
• En 1948 la bienal de Venecia le concede el Premio Internacional de Escultura, consolidando su reputación internacional.
• A partir de ese momento destacan sus encargos para realizar obra pública. Por ejemplo: Figura Reclinada situada en la sede de la UNESCO en París, u otra obra de igual título realizada para el Lincoln Center de Nueva York. 

* Análisis de una obra.





Constructivismo.

 

Responde a las siguientes preguntas:
1) ¿A partir de que vanguardia evoluciona el arte constructivista?
2) ¿Cuáles son sus principales finalidades al inicio de su creación?
3) Cita el año de su creación.
4) ¿De dónde viene el norme de término constructivismo?
5) ¿Para qué gobierno realizó carteles?
6) ¿Dónde deja su huella?
7)¿Qué materiales escultóricos emplean?
8) ¿Cómo evoluciona su concepto de la finalidad del arte?
9) ¿Quién pintó la obra " Cabeza de mujer"?




- Antoine Pevsner.

• Escultor nacionalizado francés de origen ruso.
• Hermano de Naum Gabo. Ambos hermanos publican el Manifiesto Realista en 1920, donde defendían el papel social del arte. las primeras líneas del manifiesto son: dejemos el pasado a nuestras espaldas como una carroña. Dejemos el futuro a los profetas. Nosotros nos quedamos con el hoy.
• Estudio Bellas Artes en San Petesburgo.
• Viajó a París donde conoció a Modigliani y a Archipenko. 
• Se caracteriza por el uso de nuevos materiales industriales.  Como por ejemplo vidrio, plexiglás, metal, cemento, plásticos, etc. De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo.
• En 1923 conoció a Duchamp en Berlín. A partir de ese encuentro abandona la pintura y se centra en la escultura constructivista.
• Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal en su investigación.
• Son esculturas científicas, basadas en estudios  matemáticos y geométricos.
• Su finalidad principal es  esculpir el espacio, el vacío, no solo con las formas sino también con materiales translucidos, con la simplicidad de las líneas.
• Las formas helicoidales aparecen en muchas de las obras.
• En 1930 obtiene la ciudadanía francesa. Se da a conocer de manera internacional ( Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago).
•  Sus obras estacan por el uso de estructuras, lámina e hilos metálicos que se organizan en torno a un eje.

Obras.

- Naum Gabo.

• 1890. Briansk, Rusia- 1977 Waterbury. EEUU.
• Escultor ruso fundador del movimiento constructivista.
• Estudiara medicina en Munich, posteriormente Ciencias naturales e Ingeniería.
• En 1912 visita a su hermano, Antoni Pevsner en París. Ambós escultores tendrán caminos paralelos.
• 1913 entra en contacto con los expresionistas del Blaue Reiter en Munich.
• Sus primeras obras son cabezas y torsos, deudores de la descomposición de planos del cubismo analítico.
• Posteriormente abandona la figuración  para centrarse en factores como el movimiento, (arte cinético) y  la transparencia, construcción equilibrada en el espacio entre dos puntos (1925). Experimentando con nuevos materiales como acero, pexiglás o vidrio.
• Mantiene contactos con la Bauhaus de Weimar, donde dará varias conferencias y colaborará con su revista.
• En 1946 se instala definitivamente en EEUU.
• Su obra va evolucionando a grandes formatos adoptando escalas arquitectónicas.
• Sus obras se pueden definir como superficies regladas y desarrollables, elementos que materializan ecuaciones matemáticas tridimensionales que exploran el espacio.

Obras.

Escultura Vasca.

Jorge Oteiza.
1908 Orio- 2003 San Sebatián.

• Figura clave de la escultura de la década de los 50.
• Nacido en una familia acomodada dedicada a la hostelería.
• En 1927 se trasladó a Madrid para estudiar arquitectura. Finalmente por razones burocráticas se matricula en medicina. Abandona la carrera al tercer año y se matricula en la escuela de Artes y Oficios.
• En 1928 su padre y hermano emigran a Argentina debido a la quiebra del negocio familiar. Para costearse sus estudios trabajó de contable en una frutería y camarero.
• Sus primeras esculturas nacen bajo la influencia de Jacob Epstein, Alberto Sánchez y Pablo Picasso.
• En 1931 fue galardonado con el primer premio de Artistas Noveles Guipuzcoanos con su obra "Adán y Eva, TgS=E/A".
• En 1935 viaja junto con Balenciaga a Sudamérica. Su estancia en esas tierras durará casí 15 años. Durante los cuales ejerce de profesor en la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, participó en Santiago de Chile en la creación del teatro político experimental ...
• A principios de los años cuarenta empezó a introducir oquedades en sus esculturas. (En la línea del escultor británico Henry Moore).
• Tras su estancia en Sudamérica vuelve a Bilbao. Nada quedaba entonces del ímpetu cultural republicano. Oteiza luchó por revitalizar el decaído mundo artístico vasco sin éxito.
• En 1950 se le adjudicó la estatuaria para la nueva Basílica de Arázazu (Guipúzcoa). Su intervención fue polémica desde el principio, representa 14 apóstoles y su estética se considera excesivamente vanguardista. Las puertas de dicha basílica serán obra de Chillida.
• En los años cincuenta, coincidiendo con su período más fructífero abandonará la figuración.
• En 1957 ganó el primer premio de la Bienal de Sao Paula en Brasil con la serie Propósito experimental.
• De esa década destacan obras como "Desocupación de la esfera" y "Cajas vacías o Cajas Metafísicas".
• En la década de los 60, Oteiza abandona la práctica escultórica tradicional para desarrollar nuevas inquietudes como la poesía, la arquitectura o la filosofía.
• En 1988 la fundación La Caixa y el Museo de Bellas Artes de Bilbao organizan una gran exposición antológica. En ella se exhibieron multitud de maquetas y obras de pequeño formato en materiales como papel, cartón, aluminio y tiza.
• En 1988 recibe el premio Príncipe de Asturias de la Artes y en 1998 la medalla del Círculo de Bellas Artes.
• En el mismo año de su muerte se inagura en Alzuza ( un pequeño pueblo cercano a Pamplona) el Museo Oteiza.

Obras. Tizas.
Obras. Huecos.




Eduardo Chillida.
Juantegui 1924 - San Sebastián 2002.

• Nacido en el seno de una familia tradicional y de fuertes convicciones católicas, fue el tercer hijo de el teniente coronel Pedro Chillida.
• En 1943 comienza a estudiar arquitectura en Madrid. Cuatro años más tarde abandona la carrera sin finalizar para dedicarse por completo a al dibujo y la escultura.
• Como dato anécdota decir que llego a ser portero de la Real Sociedad.
• En 1948 se traslada a París, escapando del régimen franquista. Allí conoce de primera mano obras de Picasso, Julio González y Brancusi. Sintió especial fascinación por la escultura griega arcaica del Louvre. Su obra de aquel momento estaba hecha en yeso y terracota y con una clara influencia figurativa.
• En 1951 se mudo de nuevo al País Vasco con su esposa, Pilar Belzunce. Comienza a trabajar en la fragua de Manuel Illarramendi, quien le enseñó el arte de la forja.
• En el mismo año data su primera obra abstracta, Ilarik, primera versión en hierro. Tres años después hará la versión en madera.
• Seguirá a partir de entonces en el mundo de la abstracción con obras como Elogio del aire, Música callada, Rumor de límites o El peine del viento. En esta última, quizá la más conocida, estuvo trabajando 15 años. En 1977 tres piezas de acero fueron ubicadas frente al mar de San Sebastián. 
• En los años 50 expondrá en galerías de París, Milán, Nueva york, Chicago. Comienza su reconocimiento internacional. En la bienal de Venecia de 1958 ganará el gran premio internacional de escultura.
• Datan de 1963 sus primeros aguafuertes, que recuerdan su obra escultórica.
• Dentro del campo escultura pública destacan obras como Lugar de encuentros III en Madrid, 1971, La casa de Goethe, Frankfurt, 1986, Elogio al agua, Barcelona 1987, Elogio al horizonte, Gijón 1990. Todas ellas hechas en hormigón. Berlín, 2002 será su última obra.
• En 1999, el Museo Guggenheim de Bilbao celebró el 75 aniversario del escultor con una retrospectiva de más de 200 obras. 
• En Septiembre de 2000 se inagurá El Museo Chillida-Leku.

Obras.



Agustín Ibarrola.
Obras.

• Nacido en el seno de una familia obrera en 1930 en Basauri.
• Primera formación artística en la escuela de artes y oficios de Bilbao.
• En 1948, gracias a una beca se traslada a Madrid donde estudia con el pintor Daniel Vázquez Díaz. Dará sus primeros pasos en el cubismo.
• En 1950 conoce a Jorge Oteiza, gracias a él conoce el concepto de espacio del constructivismo y la idea de creación artística colectiva. La influencia de Oteiza será decisiva.
• 1956 se traslada a París donde forma el "Equipo 57" junto con otros artistas. Cultivaron un estilo abstracto geométrico. Usan un cromatismo muy intenso. En lo teórico crearon una serie de manifiestos y artículos sobre el devenir del arte y el papel de artista en la sociedad.
• De José Ortega aprende la técnica del grabado. Se integra en el movimiento Estampa Popular, creando Estampa Popular de Vizcaya. En dichas estampas se centra en la temática del trabajador rural y urbano. Se manifiesta en contra de la represión franquista con crudeza.
• Miembro del partido comunista, participa activamente en la lucha obrera y oposición al régimen franquista. Por este motivo es encarcelado en  dos ocasiones (1962-1967).
• A partir de los años 80 se recluye en su caserío de Kortezubi donde comienza a trabajar en el Bosque de Oma (86-91). Se trata de diversas intervenciones en los troncos del bosque de la localidad de Oma.
• Siguiendo en esta línea de intervención en los espacios abiertos trabajó en el bosque de olmos o bosque encantado en Salamanca. Hecho en colaboración con los alumnos de BBAA de la ciudad.

• En " Viaje al infinito", emplea antiguas traviesas de ferrocarril, hormigón, papel y hierro. Se encuentra en la estación de Abando en Bilbao. En otra estación , en la estación de Chamartín en Madrid, se encuentra "Ola al ritmo de txalaparta". En el la estación Principe Pío de Madrid se encuentra su obra "El Bosque de Totems".
• *
• Una de sus últimas obras es "Los cubos de la memoria", en el puerto de Llanes.
• Algunas de sus obras han sido agredidas por motivos políticos. Eso les ha llevado a abandonar el País Vasco en 2005. Desde entonces vive en Ávila.
• Ha recibido premios como la Medalla de Oro del Círculo de BBAA (1994), Medalla al Mérito y Reconocimiento al Trabajo (2001) y Medalla al Orden y Mérito Constitucional (2003).

Exame2.Pista.

Repaso vanguardias.

Esquema.

Cuestionario.

Ha2. Las vanguardias de javier mejia

Antonio López y David Hockney.

Antonio López.
Realismo madrileño.

Autores:

Antonio López.
Su evolución en el realismo madrileño comienza con " la etapa mágica o surreal" (sobre 1957), donde la vida diaria se envuelve en una atmósfera onírica.
A partir de los años 60 se vuelve más objetivo, depurando la fantasía y lo sentimental.
El paisaje de Madrid que durante la década de los 50 aparecía como fondo, será el absoluto protagonista de cuadros posteriores. Documentando así la trasformación de una pequeña capital en una gran ciudad moderna.

Obras.

Josefina leyendo. 1953 (Influencia renacentista).
Mujeres mirandos los aviones. 1954. (Influencia cubista).
Atocha. ( Influencia surrealista).
Los novios.
Taza de váter y ventana.
Cuarto de baño.



Julio López Hernández.
Isabel Quintanilla.
Amalia Avia.
María Moreno.

Características:
- Visión de lo cotidiano (objetos y espacios familiares) impregnada de misterio y melancolía.
- Interés en expresar el paso del tiempo y sus consecuencias.
- Sus cuadros a menudo general cierto extrañamiento que nos recuerda a obras surrealistas.

Discípulos del realismo madrileño:

José Miguel Pardo.
Miguel Ángel Argüello.
Antonio Maya.
Daniel Quintero.



Biografía.

• Nació el 6 enero de 1936 en Tomelloso (Ciudad Real).
• Es el mayor de 4 hijos de unos labradores acomodados.
• Se inició en la pintura con 12 años, gracias a su tío Antonio López Torres.
• En su obras se aprecia la influencia de Salvador Dalí (predominio del dibujo sobre la pintura).
• 1950 se va a vivir a Madrid donde estudia BBAA en la academia de San Fernando. Donde conoció a Lucio Muñoz y otros artistas con los que forma la escuela madrileña .
• Una beca le permitió viajar a Italia para estudiar pintura renacentista.
• Entre la pintura española del Prado, Diego de Velázquez será una de sus principales referencias.
• Desde 1964 a 1969 imparte lecciones de preparación sobre el color en la Real Academia de San Fernando donde había estudiado.
• Es considerado el padre de la escuela hiperrealista madrileña, su obra se centra en la realidad que le rodea. Investiga sobre los aspectos más cotidianos tratados con un realismo cuasi fotográficos.
• Entre sus obras destacan: Lavabo y espejo, Gran Vía, Madrid desde Torres Blancas, Membrillos y granados entre otras.
• Su obra escultórica es al igual que su pintura de gran calidad.
• En 1992, el director Víctor Erice rueda para la gran pantalla EL sol del membrillo, basado en la obra de Antonio López.

• Tiene múltiples premios conseguidos a los largo de su carrera. Destacan el Príncipe de Asturias de las Artes en 1985 y el Premio Velázquez de artes plásticas en 2006.
• Tras algo más de veinte años tras su encargo . En diciembre de 2014 presentó el cuadro titulado la familia de Carlos I.
• Casado con la pintora María Moreno con la cual tiene dos hijas (María y Carmen).

La familia de Carlos I.

David Hockey.



Biografía.
Obras.

- Es un pintor inglés nacido  el 9 de julio de 1937 ( Bradford. Yorkshire).
- Es el cuarto de 5 hermanos.
- Estudia arte en Londres ( Royal College os Art) donde conoce a artistas como Bacon o Hamilton.
- Se le asocia a la corriente Pop, a pesar que sus primeros trabajos tiende al expresionismo y la abstracción.
- En un primer momento se le niega la obtención de su título de graduado por negarse a presentar un escrito ensayístico. Realiza una obra titulada Diploma para mostrar su desacuerdo. Finalmente se le otorga el título.
- Tras graduarse viajará a California. Donde crea sus famosos cuadros de piscinas. Son cuadros acrílicos que destacan por su intensidad. Conoce a artistas como Jack Larson o Ken Tyler.

- De California, se trasladará a Los Ángeles, Londres, París y vuelta a California en los 70s.
- En 1976 crea una serie de 20 aguafuertes titulados: "La guitarra azul: grabados en aguafuerte por David Hockney, inspirado por Wallace Stevens quien se inspiró en Pablo Picasso".
_ De su admiración por Picasso surge también la serie de retratos de Celia Birtwell desde diferentes puntos de vista.

- Hockney muestra abiertamente su carácter de creador homosexual. Es también un gran retratista.
- En el campo de la fotografía destacan sus collages de gran magnitud. Estos collages se denominan joiners.  Las primeras fotografías eran instantáneas realizadas con cámara Polaroid, uno de sus primeros fotomontajes fue de su madre. El concepto de descomposición de la imagen es parecido al cubismo, difenentes puntos de vista en un soporte bidimensional.

- Es uno de los pintores ingleses con mayor proyección internacional en la actualidad.
- En 1985 comenzó a utilizar el Quantel PaintBox, un programa de ordenador que permite pintar directamente en la pantalla.
- Realizó su obra de mayor tamaño, Bigger trees near Warter.
- Pinta cientos de obras utilizando Brushesapp.

Jackson Pollock y Mark Rothko.

Jackson Pollock (1912- 1956).

Biografía.
Vídeo.
Obras.

- Llegó a ser catalogado como el mejor pintor que los Estados Unidos había tenido.
- Pese a su éxito profesional su vida estará  profundamente marcada por su problemas de alcoholismo y fuerte temperamento.
- En uno de los intentos de abandonar su adicción al alcohol se trató con una terapia Jungiana.
- Entre sus influencias está el automatismo surrealista (búsqueda de actos no coherentes), la obra de artista ucraniano-americano  Janet Sobel y el muralista mejicano Davis Alfaro Siqueiros. Gracias a él se familiarizaría con los distintos tipos de pintura acrílica en las clases de pintura experimental impartidas por el mejicano.
- En su ascenso a la fama serán importantes:

• Marcel Duchamp, amigo del artista y quien le aconsejó trabajar con Peggy Guggenheim.
• Peggy Guggenheim quien lo llevaría a la fama.
• Clement Greenberg, crítico de arte y teórico de su obra.
• Lee Krasner, artista y esposa de Pollock.

- Destacar que Pollock, vivió un momento ventajoso en el arte de los EEUU, en estos momentos era una gran potencia y necesitaba florecer culturalmente. Uno muestra de esto son los incentivos para que los artistas europeos obtuvieran la nacionalidad americana.

- La técnica que empleaba, conocido como el dripping, se basaba en chorrear pintura sobre el lienzo utilizando palos o pinceles endurecidos. Era importante el movimiento que se creaba sobre el lienzo.

- Este involucrar al cuerpo dentro de la pintura se llamó action painting o pintura en acción.. Rompió las convenciones pictóricas de pintar sobre un soporte vertical. Colocaba sus telas en el suelo para poder moverse con libertad sobre el soporte de sus pinturas. Sus movimientos y gestos tomaban especial protagonismo.

- Aunque sus pinturas parezcan un resultado del azar, él era muy consciente de los balances de color y la composición.

- Meses después de su muerte a los 44 años de edad en un accidente de tráfico al conducir ebrio. Fue conmemorado en una retrospectiva en el MOMA de Nueva York.

Mark Rothko. (1903 -1970).

Biografía.
Obras.

- Es uno de los máximos representantes de la abstracción americana.

- Pretendía expresar las emociones básicas universales.

- Nació en Rusia en el seno de una familia judía que emigró a Oregón en 1910.

- Aunque estudió en la Art Students Leage de Nueva York siempre se consideró autodidacta.

- Desde 1929 a 1952 ejerció como profesor de arte en algunos centros de Nueva York. Desarrollando un particular programa de enseñanza.

- En los años 30 su pintura estaba dominada por un tipo de figuración expresionista.

- Las muestras Cubismo y arte arte abstracto junto con Arte fantástico, Dadaísmo y Surrealismo organizadas en 1936 por el Museo de arte moderno le influenciaron de manera directa. Su obra derivó hacia planteamientos más surrealistas. 

- Tras la Segunda Guerra Mundial comenzó a investigar las posibilidades de la pintura de campos de color ( Color field painting). En 1950 Rothko había abandonando ya las referencias figurativas. Comenzando a desarrollar la personal abstracción que desde ese momento definiría su pintura. GRANDES LIENZOS CON AMPLIOS CAMPOS DE COLOR RECTANGULARES DE PERFILES INDEFINIDOS FLOTANDO SOBRE FONDOS MONOCROMOS.

- Tras vincularse a la galería de Peggy Guggenheim (Art of ths Century) se le reconocería como uno de los principales componentes de la emergente Escuela de Nueva York.

- En 1961 el Museo de arte moderno de Nueva York organizó una exposición retrospectiva de su pintura.

- A lo largo de su vida realizó varios encargos murales. Destacando varios encargos de pintura mural para la Universidad de Harvard y para la capilla Houston.

- Al final de su vida (finales de los años 60) en medio de una crisis depresiva pintó una serie de obras monocromas en acrílico negro.

Modelo de exame. Obras.